レコード会社は本当に復活したのか？音楽業界の収益構造と広告ビジネスの新潮流

かつてレコード会社は、広告業界にとって非常に大きな存在でした。

新曲の発売、アルバムのリリース、アーティストのデビュー、全国ツアー。

こうしたタイミングでは、テレビCM、新聞広告、雑誌広告、駅貼りポスター、屋外ビジョン、ラジオCMなど、さまざまな広告媒体が使われていました。

しかし、CDが売れなくなり、音楽配信が広がり、YouTubeやSNSでアーティストが直接ファンとつながるようになると、レコード会社の存在感は一時的に薄れたようにも見えました。

「レコード会社はもう古いのではないか」

「音楽ビジネスはプラットフォーム企業に主導権を奪われたのではないか」

そう感じた人も多いはずです。

ところが、現在の音楽業界を見ると、単純に「レコード会社が衰退した」とは言えない状況になっています。

広告業界で働く人が注目すべきなのは、音楽そのものの売上だけではありません。

音楽を起点に、ファンコミュニティ、ライブ、グッズ、SNS、動画、ショートコンテンツ、OOH、企業タイアップ、海外展開まで、広告と接続できる領域が広がっていることです。

本記事では、レコード会社の復活が本物なのか、世界と日本の音楽市場の違い、そして広告代理店にとってのビジネスチャンスを整理します。

レコード会社は本当に復活しているのか？

まず、世界の音楽市場を見ると、レコード会社を取り巻く環境は明らかに改善しています。

IFPIの「Global Music Report 2026」によると、2025年の世界の録音音楽市場は317億ドルに達し、前年比6.4％増となりました。これで世界市場は11年連続の成長です。

成長を牽引しているのは、やはりストリーミングです。

特に有料サブスクリプション型のストリーミングは、世界の音楽収益の中心になっています。

ここで重要なのは、音楽市場が「昔の姿に戻った」わけではないことです。

CDが再び大量に売れるようになったから復活したのではありません。

音楽の聴かれ方、買われ方、広がり方、収益化の方法が変わったことで、レコード会社の役割も変わったのです。

日本の音楽市場は、世界とは違う独自構造を持っている

世界ではストリーミングが中心になっていますが、日本の音楽市場は少し特殊です。

日本レコード協会は、2025年の国内レコード市場、つまり音楽ソフトと音楽配信の売上推計を3,988億円と公表しています。

ただし、この数字は会員社だけでなく非会員社分も含めた推計として新たに公表された指標です。

そのため、過去の生産実績や配信売上と単純比較する場合には注意が必要です。

この数字を見ると、日本の音楽市場は単純な「CDから配信へ」という一方向の変化ではないことがわかります。

CDや音楽ビデオの存在感が残りつつ、ストリーミングも伸びている。

さらに、ライブ、グッズ、ファンクラブ、特典商法、推し活消費が組み合わさっているのが日本市場の特徴です。

レコード会社の仕事は「音源販売」から「総合プロデュース」へ変わった

昔のレコード会社の中心的な仕事は、音源を制作し、CDを販売し、テレビやラジオでプロモーションし、店頭で売ることでした。

もちろん今も音源制作は重要です。しかし、それだけでは収益が安定しません。

現在のレコード会社には、アーティストを中心に複数の収益接点を作る力が求められています。

この変化は、広告代理店にとって非常に重要です。

なぜなら、レコード会社やアーティストのプロモーションは、もはや「新曲発売の告知」だけではなくなっているからです。

アーティストの世界観をどう広げるか。ファンをどう巻き込むか。

ブランドとどう自然に接続するか。リアルな街やライブ会場と、SNS上の拡散をどうつなげるか。こうした設計が重要になっています。

ライブ市場の拡大が、音楽ビジネスを大きく変えている

音楽業界を考えるうえで、音源売上だけを見ていると全体像を見誤ります。

現在の音楽ビジネスでは、ライブやフェス、イベントの重要性が非常に高まっています。

ぴあ総研によると、2024年の国内ライブ・エンタテインメント市場規模は7,605億円となり、過去最高規模に達しました。音楽コンサートやステージ公演を含む市場全体が、コロナ禍を越えて大きく回復しています。

これは広告業界にとっても大きな意味があります。

ライブやフェスは、広告主にとって単なる協賛枠ではありません。熱量の高いファンが集まり、SNSで拡散され、会場体験として記憶に残る接点です。

K-POPは、音楽ビジネスと広告戦略の成功例である

音楽ビジネスと広告戦略の関係を考えるうえで、K-POPは非常に参考になります。

K-POPの強さは、曲の良さだけではありません。デビュー前からSNS、映像、ビジュアル、ファンコミュニティ、海外展開、グッズ、ライブ、ブランドタイアップまでが一体で設計されています。

特にOOHとの相性は非常に高いです。

新宿、渋谷、原宿、大阪、韓国、ニューヨーク、ロンドンなど、象徴的な街に広告を掲出し、それをファンが撮影してSNSで拡散する。これは単なる屋外広告ではなく、ファン参加型のプロモーションです。

日本の音楽プロモーションも、今後は「広告を出して終わり」ではなく、「広告をファンがどう使うか」まで設計する必要があります。

アーティストは、もはや一つのメディアである

広告業界の視点で見ると、現在のアーティストは単なる表現者ではありません。

SNSのフォロワー、YouTubeの視聴者、ライブの来場者、ファンクラブ会員、グッズ購入者、配信リスナーを抱える、一つのメディアでもあります。

ただし、ここで注意すべきなのは、アーティストを単なる広告媒体として扱わないことです。

ファンは、広告臭が強すぎるタイアップには敏感です。アーティストの世界観やファンの文脈に合っていない企業コラボは、逆効果になることもあります。

レコード会社の復活は、広告代理店にとってチャンスなのか

レコード会社のビジネスモデルが変わることは、広告代理店にとってもチャンスです。

ただし、昔のように「CD発売の広告枠を売る」という発想だけでは通用しません。

これからの音楽プロモーションでは、広告代理店側にも、音楽ビジネスの収益構造やファン行動を理解した提案力が必要になります。

広告代理店にとって重要なのは、音楽業界を「広告主」として見るだけではありません。

音楽そのものを、広告主企業のブランドコミュニケーションに活用する発想も必要です。

AI時代の音楽ビジネスは、著作権と真正性が重要になる

もう一つ、今後避けて通れないのがAIです。

AIによる作曲、歌声生成、声質模倣、映像生成、楽曲の大量生成が進むことで、音楽ビジネスは新しい局面に入っています。

一方で、権利者に無断で学習された楽曲、アーティストの声を模倣したコンテンツ、不正再生による収益操作など、問題も増えています。

これは広告業界にとっても他人事ではありません。

広告に音楽を使う場合、権利処理、二次利用、SNS配信、海外配信、AI生成素材の扱いなど、確認すべきことが増えています。

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この記事は、以前は「レコード会社」や「音楽業界」の関心でアクセスを集められた可能性があります。

ただし現在は、単に「レコード会社」と検索する人よりも、音楽業界の変化や収益構造を知りたい人を狙った方が記事の価値が出ます。

このブログとの相性を考えると、単なる音楽業界記事にするより、広告代理店がどう見るべきかまで落とし込むことが重要です。

そうすることで、音楽ファン向けの記事ではなく、広告業界・メディア業界の読者にも意味のある記事になります。

まとめ：レコード会社の復活は、広告業界にとっても重要な変化である

レコード会社は、かつてのようにCDを大量に売って成長する時代には戻らないでしょう。

しかし、それは衰退を意味するわけではありません。

音楽は、ストリーミングによって日常接触のメディアになり、ライブによって体験価値を高め、SNSによってファンが拡散し、ブランドタイアップによって企業のコミュニケーションにも活用されるようになりました。

つまり、音楽は単なるコンテンツではなく、広告・体験・コミュニティ・購買をつなぐ強力な接点になっています。

広告代理店にとって大切なのは、音楽業界を「昔より広告費が減った業界」と見ることではありません。

音楽を起点に、ブランドとファンをどうつなげるか。街、SNS、ライブ会場、動画、グッズ、海外展開をどう設計するか。

そこに、これからの広告提案のヒントがあります。

レコード会社の復活は、単なる業界ニュースではありません。広告代理店やメディア関係者にとって、音楽と広告の新しい関係を考えるための重要なサインなのです。